Pollini

Maurizio Pollini nació en Milán el 5 de enero de 1942 en una familia de extraordinaria cultura. Su padre, Gino Pollini, fue un destacado arquitecto racionalista; su madre era pianista y cantante. Las artes visuales, la literatura y la música formaron por tanto parte de su entorno desde niño. Estudió primero con Carlo Lonati y más tarde con Carlo Vidusso en el Conservatorio de Milán. Su desarrollo fue rapidísimo, pero nunca tuvo simplemente el perfil del niño prodigio preparado para impresionar al público. Desde muy temprano mostró fascinación por la arquitectura de la partitura: la superposición de voces, la acumulación de tensión armónica y la manera de hacer inteligible una gran forma sin deformarla retóricamente.

Su victoria en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin de Varsovia en 1960, con sólo dieciocho años, lo situó de inmediato entre los jóvenes pianistas más discutidos de Europa. Arthur Rubinstein, miembro del jurado, fue uno de quienes reconocieron la extraordinaria madurez de aquel muchacho. Sin embargo, Pollini no respondió al triunfo lanzándose a una carrera virtuosa frenética. Se retiró durante un tiempo para continuar estudiando y reflexionando, incluido un periodo de trabajo con Arturo Benedetti Michelangeli. Esa decisión resulta muy característica: el éxito no era un fin y el brillo técnico debía integrarse en una identidad artística plenamente pensada.

Durante las décadas de 1960 y 1970 estableció un perfil internacional inconfundible. Chopin siguió siendo central, pero Beethoven, Schumann, Schubert y Brahms adquirieron una importancia equivalente, mientras su compromiso con la Segunda Escuela de Viena y el modernismo de posguerra lo separaba de la mayoría de los grandes pianistas de cartel. Su relación con Luigi Nono fue especialmente significativa. Pollini compartía con Nono, Claudio Abbado y otros artistas italianos la convicción de que la cultura contemporánea no podía aislarse de la conciencia política y social. Un programa de concierto podía convertirse así en un argumento histórico: Beethoven junto a Schoenberg, Chopin junto a Boulez, tradición heredada y modernidad radical como partes del mismo proceso.

La relación con Deutsche Grammophon se convirtió en una de las asociaciones discográficas decisivas de la segunda mitad del siglo XX. Durante más de cinco décadas Pollini registró un repertorio vastísimo y volvió a determinadas obras en distintos momentos de su vida. Las sonatas de Beethoven, los estudios y obras tardías de Chopin, Schumann, Schubert, Brahms y los modernistas forman una discografía de excepcional coherencia. Las grabaciones permiten además seguir una evolución: el brillo y la exactitud casi implacables de la juventud fueron dejando paso a una expresión más amplia, oscura y retórica, sin perder la exigencia estructural.

A Pollini se le reprochó en ocasiones reserva emocional. La crítica puede entenderse si se espera que la emoción se anuncie mediante una flexibilidad superficial muy visible. Su método expresivo era otro. El sentimiento surge con frecuencia de la presión de una sucesión armónica, de la acumulación rítmica y del peso exacto de cada voz. En las últimas sonatas de Beethoven, la trascendencia no se añade desde fuera: nace de la relación entre fuga, recitativo, silencio y variación. En Chopin hay rubato, pero integrado en el pulso. En Schumann la turbulencia psicológica se intensifica por la claridad en lugar de disolverse en ella. La severidad, cuando existe, forma parte del mundo emocional.

En la década de 1990 desarrolló el “Progetto Pollini”, series de conciertos destinadas a colocar obras canónicas y contemporáneas dentro de un mismo horizonte intelectual. Esa actividad curatorial revela cómo entendía su función: no sólo como pianista capaz de dominar repertorio difícil, sino como músico responsable de transformar la cultura de escucha. Continuó actuando en edad avanzada, aunque los problemas de salud fueron afectando algunas apariciones. Murió en Milán el 23 de marzo de 2024. Su legado es extraordinariamente completo: un modelo de integridad técnica, un archivo discográfico inmenso y la convicción de que la historia de la música permanece abierta mientras los intérpretes sean capaces de conectar el pasado con el lenguaje de su propio tiempo.